Critique interactive n°3: 007 Spectre

Critique interactive n°3: 007 Spectre

 

Parce que je veux continuer d’aller au cinéma, non pas car il s’agit d’un acte de résistance face aux horreurs récentes (comme disent certains faire « comme avant » et aller en terrasse ne suffit pas) mais parce que j’aime le cinéma tout comme j’aime me battre, j’aime me beurrer la biscotte, j’aime quand on m’enduit d’huile, j’aime les panoramas, j’aime le bruit blanc de l’eau, enfin bref vous avez compris j’espère!

 

 

Nouvelle critique, nouveau format pour ceux qui auraient été traumatisés par la longueur de ma critique sur Interstellar ou Gonegirl.
J’essaye cette fois d’adopter une forme plus ludique, tout en tentant de répondre aux détracteurs qui voient dans le nouveau « 007 Spectre » l’épuisement d’une collaboration pourtant initialement fructueuse (financièrement et artistiquement) entre Sam Mendès (réalisateur) et Daniel Craig avec comme point de départ le succès: Skyfall.
J’élude le pitch cette fois et je précise au passage qu’il n’y a pas de spoilers majeurs dans cette critique.

 

1) « un film longuet et ennuyeux » 

 
Je devrais mettre des guillemets et préciser que cette phrase émane d’une personne qui n’aime probablement pas les films d’action (et c’est son droit). Selon moi, difficile de s’ennuyer dans ce 24ème opus de James Bond, tout le monde y trouve son compte : le grand public, les fans de la première heure de James Bond et la critique.
Imaginons un instant la conversation qu’ont peut être tenue Sam Mendès et les producteurs  de la Metro Goldwyn Mayer afin de définir le cahier des charges de Spectre :
  • Les producteurs : « Ok Sam, tu es un génie, la critique a encensé Skyfall, et tu nous as pondu le James Bond le plus rentable de tous les temps avec plus d’un milliard de recettes. On ne va pas se plaindre. Notre dernier benchmark  indique que ton film a conquis la critique par sa noirceur inédite dans un James Bond (7,8/10 sur IMDB) mais il révèle aussi qu’une partie du public a émis quelques réserves. Je te lis les derniers consumer insights : 1) on en a marre des blockbusters aux tonalités tragiques avec un anti-héro tourmenté par son passé, et ayant un lourd passif familial 2) je ne reconnais plus le charme, le glamour  et l’humour des James Bond d’antan dans ces nouvelles productions.
 
  • Sam Mendès : « ok les gars, je ne sais pas ce que c’est un consumer insight mais donnez-moi 350 millions de dollars. Avec ça je vous fais une pépite qui ravira tout le monde et paiera l’essence de vos yachts cette année ».
 
Et la lumière fut : on est époustouflés dès la scène d’ouverture. Véritable tour de force technique et spectacle grandiose. Tour de force technique car il s’agit d’un long plan séquence (plan couvrant toute une séquence sans coupure ni montage apparent) ayant mobilisé des moyens financiers immenses et plus de 1500 figurants. C’est une  technique décidément à la mode puisque la maîtrise de celle-ci avait mis en lumière le génie d’Alejandro Gonzalez Inarritu  récompensé de l’oscar du meilleur réalisateur pour son film Birdman en 2014. Moins souvent mentionné c’est aussi le merveilleux  travail d’Emmanuel Lubezki (aussi présent sur le tournage de Gravity) avec sa steadicam qui avait permis de tourner Birdman en un seul plan séquence, prouesse rarement (ou jamais) vue dans la profession (et là vous comprenez que j’avais aussi préparé une critique pour Birdman mais que je ne l’ai jamais achevée…).
Mais revenons à notre brave Écossais : dans cette scène d’ouverture magistrale se déroulant en pleine fête des morts à Mexico on suit Bond à la poursuite d’un terroriste italien. Le héro est  filmé de dos à la manière d’un jeu vidéo à la première personne. Cette scène d’ouverture donne le ton : ballet mortuaire, course poursuite, combat à mains nues dans un hélicoptère, le rythme est là. Elle  montre les envies nouvelles de Mendès et de Craig pour Spectre : innover une nouvelle fois dans la mise en scène tout en effectuant un certain « retour aux sources » qui ravira les puristes. Avec comme inspiration la mort aux trousses (1959) d’Alfred Hitchcock, Mendès a voulu faire de Spectre un film d’action à l’ancienne : immersif et réaliste. Pour cela, exit le numérique (là aussi c’est tendance, cf Star Wars 7), on retourne au cinéma old-school avec un film tourné en 35 mm. On retrouve également  des scènes de courses poursuites en voitures grandioses et  sans trucages (si’il y a une chose à ne pas manquer c’est la scène de course poursuite à Rome entre la Jaguar et l’Aston Martin DB 10 de Bond).
Aussi, on retrouve certains ingrédients cultes de la série qui semblaient avoir disparus dans les précédents volets et qui réapparaissent dans ce film. Notamment une petite pointe d’humour à l’anglaise : quand James Bond atterrit dans un canapé après une chute de 20 mètres suite à une explosion,  et réajuste  sereinement ses boutons de manchette. L’humour n’est pas absent et plus encore on trouve cette fois une certaine dérision très plaisante à entendre. Par exemple : on se souvient du fameux « qu’est ce que j’en ai à foutre » adressé au Barman qui demande à Bond dans Casino Royale s’il préfère son cocktail au shaker ou à la cuillère, et bien dans Spectre on retrouve également un face à face assez hilarant avec un Barman qui propose cette fois à Craig un cocktail bio sans alcool (je vous laisse deviner la réaction du personnage). Ainsi cette séquence montre comment le James Bond tourmenté « version Craig »  qui enchaîne les vodka-martini se retrouve dans une situation à la limite du grotesque dans un bar « bio sans alcool ». Les codes qui donnaient une « tonalité grave et sombre » à la série des James Bond des années 2000 sont donc tournés en dérision.
Enfin, Sam Mendès a déclaré : « 007 SPECTRE évoque en effet les classiques de la franchise à travers les véhicules, le ton, l’éclairage et même la coupe du costume de 007, mais je tenais également à renouer avec le glamour des destinations lointaines et exotiques des premiers James Bond, et le pousser à l’extrême. »
Et bien c’est chose faite des cimes enneigées autrichiennes au Maroc, on voyage dans ce film d’action immersif qui sait être dramatique dans la lignée de la saga de Daniel Craig mais aussi drôle et divertissant quand il le faut. Bref on ne s’ennuie pas.

2) « Daniel Craig est rouillé »

Certes Daniel Craig prend quelques rides et perd des cheveux, en revanche son allure, son énergie et ses yeux, ne dépérissent  pas avec l’âge et les breuvages qu’ils consomment parfois comme 007.

Craig déclarait d’ailleurs dans le GQ de Novembre 2015 « le seul vrai point commun que j’ai avec Bond c’est l’alcool. Le pub c’est bien mieux que les réseaux sociaux pour se faire des amis ».
A 49 ans Pierce Brosnan dans  Meurs un autre jour  passait pour un vieux croulant. En effet ce « vieux beau » trop entretenu n’était plus crédible en homme d’action.  Craig, à 47 ans dans cet opus, reste tout à fait convaincant avec l’âge. Sa crédibilité en  James Bond il ne la tient pas d’un  teint hâlé et  d’une coupe à l’anglaise comme Pierce Brosnan mais  plutôt il la doit à son allure.
En effet l’allure de Bond est plus que jamais mise en avant dans cet opus. Il est souvent filmé avec des plans à la première personne décortiquant sa démarche (son roulement d’épaule, son menton relevé plein de fierté et ses pas assurés) et des scènes qui ressemblent parfois à des défilés de mode en plein air. On notera au passage que jamais un Bond n’aura autant changé de tenue : choix de mise en scène pour mettre en valeur l’acteur ou stratégie marketing pour financer ce projet pharaonique, nous allons analyser cela à présent justement.

3) « Spectre est un spot publicitaire géant »

Oui, il est indéniable que James Bond suscite toutes les convoitises auprès des marques. Avant c’était surtout des marques de luxe (Aston Martin, les montres de luxe comme Rolex et Omega) qui se battaient pour apparaître à l’écran.  Mais à présent ce sont toutes les marques qui tentent de se faire une place sur celui-ci : Heineken,  la vodka Belvédère, la Fiat 500. Et même des pays comme le Mexique se prêtent au jeu. Le gouvernement mexicain se serait même assuré qu’une bonne image de son pays soit donnée en demandant une modification à la dernière minute du  scénario de Spectre en échange de la coquette somme de 14 millions d’euros selon le site Tax Analyst(information révélée à la suite d’une fuite).
La pratique des placements de produits (et de pays) n’est bien sûr pas inédite dans les James Bond, ni dans les autres productions d’ailleurs (on se souvient du succès des lunettes de « Men in Black »dans les années 90 ). Mais pour Spectre on doit être proche des records avec 21 placements de produits bien visibles, peut être un peu trop visibles me direz vous…
On comprend bien l’intérêt  pour les producteurs qui ont pu financer les 350 millions d’euros alloués à Spectre grâce à ses partenariats juteux (pour vous donner une idée Heineken avait déboursé  45 millions d’euros pour que James se mette à la bière dans Skyfall). Néanmoins cela doit poser bien des contraintes à ceux qui « font le film » puisqu’ils doivent veiller à mettre en valeur chaque produit proportionnellement à l’investissement consenti.

Peut-on pour autant limiter Spectre à un spot publicitaire géant ? Certains diront que  les marques viennent piquer la vedette aux acteurs par moment, en effet la montre Omega de Bond joue un rôle crucial dans le film et apparaît peut être plus à l’écran que Miss Moneypenny ! On notera aussi le côté totalement assumé et décomplexé de ces placements : Q (le fameux inventeur des gadgets de James Bond)  en vient même à présenter la nouvelle Omega comme le ferait un horloger en insistant bien sur sa marque.

Mais dans le film d’autres marques et produits sont plutôt au service de la beauté et du spectacle. En effet quel plaisir pour le spectateur d’admirer les performances de l’Aston Martin DB 10 dérapant au bord du Tibre et de découvrir à chaque changement de décor une nouvelle pièce de la magnifique collection des costumes Tom Ford.
Ainsi les placements de produits ne viennent pas totalement dénaturer Spectre pour le transformer en spot publicitaire dépourvu de sens et d’émotions. Au contraire les placements de produits se mettent au service du spectacle et servent d’une certaine manière le réalisateur qui compose avec des accessoires déjà beaux et spectaculaires par essence.

4) « Un script vu et déjà vu »

Oui, comme mentionné précédemment, on commence à être lassés des histoires de famille, des fantômes du passé, des anti-héros torturés en quête de rédemption. Mais laissons au moins le mérite à ce « 007 Spectre » de soulever une problématique intéressante : la question de la surveillance face aux libertés individuelles et ses dérives possibles. Mendès tente ainsi une nouvelle fois de s’en tenir à un principe qu’il évoque dans un entretien pour le journal Telerama « Il doit y avoir une façon de combiner le divertissement et la présence, discrète mais perceptible, d’un discours, un point de vue articulé sur le monde dans lequel nous vivons. ».

D’aucuns ont regretté le choix de la facilité effectué par l’équipe de Spectre pour le casting :Christoph Waltz dans la peau du méchant (comme dans Inglourious Basterds  ) et Monica Bellucci dans le rôle de la veuve d’un mafieu Italien. Personnellement ça ne me pose aucun problème. Dans la mesure où ils savent si bien jouer ces rôles pourquoi se passer d’eux ?

5) « une Monica Bellucci flétrie »

Que nenni (oui j’ai osé placer cette expression)! Elle fait une apparition plutôt brève dans le film, ce qui est regrettable car il  ne lui faut pas plus de deux répliques dans un décor de rêve (villa romaine somptueuse) pour rayonner tout en tissant un brouillard mystérieux autour de sa personnalité. Elle joue très bien le rôle de « la James Bond girl classique » qui feint d’être inaccessible avant de s’offrir à Bond. Sam Mendès  se permet même une nouvelle fois de jouer avec les codes traditionnels de la série avec ce personnage.  Notamment, on est à la limite de la caricature machiste lorsqu’après un baiser et le fameux « mon nom est Bond, James Bond » puis une ellipse, on  retrouve Monica en porte-jarretelles sur le lit sur un plan large d’une chambre somptueuse durant laquelle on ne manquera pas bien sûr d’admirer la décoration…
Elle est tout en contraste avec la bien nommée Léa Seydoux, (Madeleine Swann dans Spectre) elle aussi magnifique mais d’une autre manière.  Madeleine incarne la James Bond girl nouvelle génération dans la  lignée de Vesper Lynd jouée par la non moins somptueuse Eva Green dans Casino Royal. Fière, indépendante en apparence, son charme réside dans ce regard qui nous défie en même temps qu’il dégage une certaine fragilité. Sans attache, aventurière et pleine de ressource elle forme la paire parfaite avec Bond et donne une note de fraîcheur indéniable à la saga avec sa beauté si singulière et son jeu des plus naturels (en d’autres mots, elle ne sur-joue pas).
Voilà je vous ai exposé 5 critiques majeures du film entendues dans mon entourage auxquelles j’ai tenté de répondre (vous pouvez m’exposer les vôtres sous la même forme ou répondre aussi à ma vision du film).  J’insiste encore : que vous ayez aimé ou non le film et ma critique n’hésitez pas à commenter, je serais ravi d’en discuter avec vous !
C’est tout pour moi, à bientôt pour la prochaine critique ciné !

Sébastien Magne

Introspection et rap français

Introspection et rap français

« Je forme une entreprise qui n’eut jamais d’exemples et dont l’exécution n’aura point d’imitateur. Je veux montrer à mes semblables un homme dans toute la vérité de la nature; et cet homme ce sera moi. Moi seul ». L’incipit-marquant- des « Confessions » réaffirme la valeur intellectuelle de la conscience de soi, et, dans une volonté de transparence de soi à soi, Rousseau fait de l’observation de ses états de conscience le matériau privilégié de l’expression du « moi ». De fait, l’introspection, véritable tradition littéraire française qu’inaugure Montaigne en réintroduisant le « moi » comme sujet d’étude premier et non plus comme champ d’analyse philosophique (le « moi » romantique contre le cogito cartésien), trouve de bien curieuses-du moins à première vue- occurrences dans le rap français.

          S’inscrivant dans un absolu de recherche de la sagesse, l’introspection fait en effet de nombreux émules dans cette mouvance culturelle et musicale que se veut le rap français. Dès 1995, Akhenaton et son « Métèque et mat » semble être partagé entre fougue (« Bad boys de Marseille« ) et spleen (« Au fin fond d’une contrée« , ou chacune de ses rimes semble le meurtrir). Fougue qui laisse place à la contemplation sur le sombre et déprimé « Sol invictus« , que clôture amèrement « Mon texte le savon« (« évacuer le fiel par la plume, je n’ai que ça dans le sang »). Probablement moins « bankable » que la trap musique, le rap introspectif se veut souvent sobre, réfléchi et angoissé. Shurik’n, avec sa « Lettre« , nous livre un plaidoyer musical en faveur du respect des valeurs viriles (honneur, respect, droiture) tout en rappelant l’importance de la transmission, donc du rapport père-fils.
Dès lors, le rap introspectif gagne en sincérité et en force émotive ce qu’il perd en fougue et en éclat. Face à la nuit, loin de son équipée épique et barbare avec Booba sur « Pucc fiction« , il ne reste que la langueur et la mélancolie à Oxmo, et, « Mourir 1000 fois« , véritable tissu d’assertions et de métaphores venant souligner le dénuement du black Jacques Brel face à la mort : « j’ai peur de la mort, je le sais, je l’ai vu épeler mon nom appeler des amis, jamais je les ai revus ». La morgue originelle du rappeur se dilue alors dans un flot/(w) de rimes et d’images. C’est pourquoi Oxmo ,dans « J’ai mal au mic« , fait, par métonymie, de la plume du MC son cœur. Or, elle se montre ici grinçante, désabusée, de sorte que seule la mélodie semble pouvoir triompher du spleen : « carabine à air déprimée cherche tempe [..] »La musique est ma porte d’échappement chaque note m’apporte un rythme cardiaque suffit que le beat reparte pour que mon mic batte ». Refusant toute hypocrisie (« Hypocritès », celui qui avance masqué..), Oxmo nous livre avec « l’enfant seul » un chant du cygne sur l’enfance et ses meurtrissures, sous forme d’hommages aux éternels petits garçons malmenés par la vie. Véritable miroir dans lequel chacun peut sonder le fond de son âme, « L’enfant seul » est la quintessence de ce que le rap introspectif a pu offrir de mieux : solitude, mélancolie, rimes acérées et poésie. Jugez plutôt : « Maitrise lancinante sentiments en ciment sinon dans 6 ans on me retrouve ciseaux dans le crâne dans le sang gisant ».
Même Booba, plus habitué à se dresser en fossoyeur du rap français (« Repose en paix« ) qu’a s’épandre sur le pathétique de la vie, nous livre avec son superbe « Ma définition » un testament musical aux accents tant mélancoliques que conquérants (« La folie, le sang, la mélancolie, du rap, du fil rouge des risques et du son : ma définition »). Regard amer sur l’enfance, habituelles fanfaronnades, misanthropie latente transcendée par l’instrumentale de « Mistral gagnant » (Renaud est l’une des principales inspirations de Booba) font de même de « Pitbull » la lettre d’adieu du MC au rap français.
Souvent déroutante et vertigineuse, l’introspection dans le rap français tranche assez radicalement avec l’imagerie -souvent fantasmée- associée à la culture hip-hop.Et si, par delà sa morgue, son inconscience et ses fulgurances, tout grand rappeur était sur le point de sombrer dans l’abîme du spleen ? Preuve en est ce coup d’éclat dans la discographie de Doc Gynéco qu’est « L’homme qui ne valait pas dix centimes« . Le doc, plus célèbre pour son amour du football , des substances illicites et des téléfilms programmés la nuit sur la TNT que pour sa propension à faire pleurer la plume, nous livre un chant du cygne poignant, entre dégoût -légitime- vis-à-vis de l’industrie du disque et son mépris du talent naïf, conscience de la précarité de son statut d’artiste (« Pourquoi subir tel un cireur de chaussures pour m’en sortir je me fais conteur de mésaventures ») et lucidité sur la bassesse de son époque.
Le rap introspectif se met en effet souvent au service de la critique sociale. Déjà John Fante, (dans son fabuleux « Demande à la poussière« ), Burroughs, ont fait de l’introspection le moyen d’expression de l’errance des crèves-la-faim, des marginaux face à la « nouvelle société » d’après-guerre et ses mirages. Si Bukowski a l’ambition dès ses « Contes de la folie ordinaire » de répondre au malaise dans la civilisation par la véhémence de son écriture, alors la prose accusatrice et vivante d’un Akhenaton (« On était tous des anges à l’école, le diable est apparu en cherchant du taf quand on a serré la pogne à Eole » « Mon texte le savon part 2« ) s’inscrit dans cette digne tradition. Engagement que revendique Kery James, qui a fait de la défense des humbles (Au prix de nombreuses polémiques, dont celle fort récente sur sa phrase « Y’a pas que les arabes et les noirs ce sont tous les pauvres qu’ils méprisent » l’identité constituante de sa musique. Le MC d’Orly, adepte du rap introspectif et des morceaux fleuves (Lettre à mon public, le combat continue, Post scriptum, banlieusards…), s’érige ainsi en poète vindicatif mais désabusé : »Nos textes sont des toiles que dévoilent nos mal-êtres des destins sans étoiles »,« A l’ombre du show business »

Le rap introspectif prend souvent des accents céliniens, en ce qu’il ne connait pas le principe de non-contradiction : en effet, il nous donne à voir deux voix puissamment contradictoires. Si le quotidien du rappeur semble le ramener inexorablement à un constat d’abjection, qui prend forme (musicale) en cette voix du ressentiment, voix à laquelle il oppose périodiquement à celle de la compassion (déjà Céline pressentait « qu’on a honte[..] d’avoir jugé l’humanité plus basse qu’elle n’est vraiment au fond », « Voyage au bout de la nuit« ). Cette duplicité s’observe à merveille sur « Pousse au milieu des cactus ma rancœur » ou un Akhenaton rancunier et vengeur vient, sur un sample de « Le bon, la brute et le truand« , nous livrer ses sentiments ambivalents : »Enfanté dans l’amour, mes sentiments sont confus confluent dans le lit de mes rêves d’une pièce exiguë ma salive est empoisonné mes larmes sont de la cigüe ». Force est de constater qu’il y a souvent assez de haine pour refaire un monde dans certains textes de rap. Toutefois, si Rohff semble plus prompt à cultiver l’image du rappeur survolant le rap game (« Rap game« , « la grande classe« …) que celle de l’aède, du poète tisseur de mythes sociaux, Housni a su nous délivrer quelques tracks -dont le glaçant et poignant « Regretté« – ou l’angoisse de la mort prend le pas sur la fascination pour la violence et l’argent facile. Le MC, habitué des fanfaronnades sur BPM (« J’suis venu au monde en mode numéro un », « En mode« ) et des punchlines mordantes, se découvre et redevient un simple mortel devant l’évidence de la mort, invité sinistre lui ayant retiré tant de proches (dont le rappeur du collectif Mafia K’1 fry Las montana).

Incertain, hasardeux, souvent revanchard et aigri, le rap introspectif peut s’apparenter à une certaine poétique de la chanson grise (doit bien y avoir une cité qui s’appelle Verlaine en Ile-de-France…), à une complainte mélodique (ou mélodieuse) , dont le but premier n’est pas tant de dénoncer ou de divertir, mais bien de dire l’échec, l’incertitude et le désarroi, trouvant ainsi un public élargi. Afin de clôturer cet article sur une note guillerette, je vous laisse avec Fuzati, MC versaillais ayant une tendance somme toute fâcheuse à faire l’apologie du malthusianisme, et dont le titre même de son album phare (« La fin de l’espèce« )  évoque le refus biologique de procréer, album ou sa haine nauséeuse fait rage sur les productions léchées de Detect.

Life is strange, un jeu qui brille par sa singularité

“On a essuyé de nombreux refus” raconte Oskar Guilbert, l’un des co-fondateurs du studio qui vient de sortir life is strange au journal Le monde. Le petit dernier de Dontnod a failli ne jamais voir le jour, et pourtant ce sont aujourd’hui 50 personnes qui travaillent sur ce jeu au gameplay pour le moins original couvé par Square Enix, tout comme Remember me avait reçu l’appui de Capcom. Et pour cause, le jeu se montre audacieux au niveau de nombreux choix artistiques, que ce soit par le choix d’une héroïne lambda, d’un système de jeu controversé dans la communauté du gaming ou du choix de lancement. Il a notamment la particularité de se dérouler sur 5 épisodes, chaque sortie est espacée de plusieurs semaines. Le premier volet est sorti le 30 janvier dernier et l’épisode prochain est prévu pour mars.

 

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Max a le pouvoir de remonter le temps. Timide et introvertie, que va-t-elle faire de cette nouvelle capacité ?

 

Maxine Caulfied est de retour de son Oregon natal pour suivre des cours de photographie, sa grande passion. Elle a quitté sa ville d’origine, Arcadia Bay, il y a 4 ans, une petite ville pas si tranquille que cela. La très populaire Rachel a mystérieusement disparu depuis 6 mois, certains élèves semblent bien instables dans son nouvel établissement et elle a des visions étranges d’une tornade ravageant la ville. Max se découvre rapidement le pouvoir de remonter le temps pour changer ses actions. Dans le premier épisode, elle va devoir sauver sa meilleure amie d’enfance, Chloé, qui a bien changé en 4 ans et a l’air d’avoir pas mal d’ennuis. Cette dernière s’entend notamment particulièrement mal avec son beau-père.

 

Life is strange prend ainsi le parti complexe de pratiquement tout miser sur le scénario. Toute l’importance se retrouve dans l’univers singulier qu’il met en place, ses personnages fouillés et son immersion. La narration est extrêmement soignée est reprend bien sûr beaucoup de codes cinématographiques, mais rappelle également d’autres jeux comme the walking dead, dont le principe est très semblable, mais aussi la recette de jeu ultra-scénarisé du studio français Quantic dream (heavy rain, Beyond two soul…). Il reprend à son compte les principes de choix multiples qui vont influencer la suite du jeu. Vous devez notamment choisir entre différentes actions plus ou moins anodines dont les répercussions apparaissent parfois bien plus loin dans l’histoire. Aucun des choix n’est manichéen et vous aurez toujours quelque chose à sacrifier. Il est difficile d’imaginer les conséquences à long terme de vos actes et c’est là que Life is strange parvient à installer toute sa complexité.

 

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Allez-vous vous cacher face au beau-père de Chloé ou prendrez-vous la défense de votre amie ?

 

C’est dans ce contexte que le pouvoir de Max devient d’autant plus intéressant. Vous pouvez remonter dans le temps, ce qui implique que vous pouvez changer une réponse à une question pour voir la réaction de votre interlocuteur, changer une action passée que vous regrettez ou fouiller un peu partout sans être inquiété puisque de toute façon vous pourrez revenir en arrière. Attention, le jeu fonctionne également en checkpoint, passé un certain laps de temps le retour en arrière n’est plus possible pour une action donnée. Le jeu vous permet de vous promener dans des environnements fourmillant de détails. En fouillant un peu, vous en découvrez un peu plus sur la vie des protagonistes, la disparition de Rachel, la nouvelle vie de Chloé, vos nombreux camarades de classe… Ce qui donne au jeu un aspect voyeur assez jouissif.

 

La narration s’appuie non seulement sur ces derniers points qui apportent au jeu une vraie substance mais aussi sur un design original et soigné et une musique immersive. Life is strange évoque à merveille les troubles de la fin de l’adolescence comme l’avait fait dans un autre registre le film Juno. Le seul bémol est au choix étrange de gameplay pour déterminer les actions, qui vient sans doute du fait qu’il a sans doute été pensé pour une console et non pour un PC, ce qui implique un certain temps d’adaptation quand on ne joue pas sur console.

 

Chrysalis, le premier épisode, se termine en un peu plus de deux heures et pose d’excellentes bases pour un jeu qui s’annonce des plus réussis. Il est bien sûr difficile du potentiel, un épisode parvenant à être à la fois court et très dense. Il s’agit cependant d’un jeu de très bonne facture pour les amateurs de ce type de gameplay très cinématographique et des scénarios poussés.
Camille Barbry

 

Le Street Art vu par une curieuse

Le Street Art vu par une curieuse

 

Article rédigé par Maëva.B

 

 

Banksy

 

 

 

?David Zinn, Michigan
Swen Schmitz, Catalogne

 

Seth, Paris

 

Daniel Siering, Mario Shuin, Allemagne

 

Le Graffiti, un gros mot qui s’affiche sur les murs sales de la Cité. Gros mots aux grasses lettres, qui s’imposent à la vue de tous. De tous ? Non, à la vue des initiés d’abord. Historiquement, le graffiti était une pratique fermée aux seuls Crews, les graphismes complexes dessinés sur les rames de RER demeurant pour la plupart des gens illisibles, donc incompréhensibles et par conséquent… effrayants. Comme une langue qui demeure étrangère et menaçante.

 

Le graffiti, comme le Street Art de nos jours, ne sont pas toujours à la vue de tous. Et pourtant, ils ont vocation  -dans leur forme même – à l’être. C’est donc à nous d’être plus attentifs, et je vous y invite. Le mieux est encore, je crois, de se perdre dans la ville, car alors rien ne presse notre course, et notre oeil peut s’attacher aux nouveautés qu’il croise au détour d’une rue. Il faut dire que l’artiste nous complique souvent la tâche en choisissant des lieux atypiques, des non-lieux précisément, pour apposer le pinceau ou la bombe. Ce sont ces lieux hors du commun, à la frontière du visible et de l’invisible – telle ruelle à l’écart, tel renfoncement ou coin de mur- que je vous propose de chercher, pour pouvoir comprendre ce qui suit.

 

 

Qu’est-ce qui fait la spécificité du Street Art ? Pourquoi séduit-il un public toujours plus large ?

 

Reprenons depuis le début… Le Graffiti n’est qu’une infime partie du Street Art. Le Street Art regroupe les formes artistiques réalisées dans la rue, dans des lieux a priori publics. Ainsi, tandis que le graffiti est une forme d’art particulière, le Street Art peut recouvrir des formes aussi diverses que les collages (Levalet, collages de personnages grandeur nature peints à l’encre de chine), les dessins à la craie (Baudelocque), la peinture au pinceau fin, la pratique du pochoir (miss tic, C215) la mosaïque (Space Invaders). Et en outre, on ne trouve plus seulement des messages écrits ou des signatures (les tags) mais aussi des messages barrés (RERO, qui biffe ses majuscules en police Verdana), des visages, des animaux, voir des formes non identifiées (THTF)…

 

 

THTF, Lyon

 

 

 

Levalet, Paris

 

 

BAUDELOCQUE, Paris

 

Space Invaders, Paris

 

 

RERO
Ce qui rassemble des pratiques aussi éclectiques pourtant est une commune démarche : passer à la rue. S’afficher sur un mur. Transformer une technique d’atelier en art in situ. Car l’essence même du Street art est de se constituer en temps qu’art de l’espace, et de composer avec ce dernier pour offrir un dialogue. C’est un Levalet qui colle un photographe pointant son appareil vers une fenêtre qui se trouvait là, par exemple. En somme, chaque oeuvre se transforme ainsi en clin d’oeil destiné à son spectateur. Lors de la promenade, c’est un petit bonheur pour moi que de tomber sur ce « clin d’oeil ». Car quand on se rend au musée, la surprise n’est jamais grande : on connait, de près ou de loin, l’artiste et on se représente son style. A l’inverse, avec le Street Art, on ne sait jamais à quoi s’attendre. Cette chasse au trésor a le charme de l’inattendu. Et le terrain de jeu du Street Art, urbain, français, mais aussi mondial, est infini … il ne connait pas la limite.
C215, Senegal
Tandis que d’autres formes artistiques s’enferment dans des musées et se livrent codées, difficiles à comprendre, le Street Art s’offre dans son humilité. C’est un visage, comme un miroir de notre humanité (C215) ; ou une jeune fille tenant un ballon (Banksy) qui, prête à s’envoler, nous rappelle à nos rêves. En somme, le Street Art nous raconte des histoires simples, et peut être apprécié par tous. Il n’est pas réservé à un public spécifique -ni dans le fond ni dans la forme- si ce n’est qu’il n’est visible que par ceux qui sont sensibles aux variations et aux détails de la promenade urbaine. Ouvrez donc l’oeil !
source photos : artfido blog
 Maëva B.

 

15 séries pour meubler votre année (Partie 3/3)

Enfin la dernière partie des séries à voir arrivent sur vos écrans avec 5 pépites plus ou moins connues pour occuper vos longues soirées d’hiver.

Twin Peaks

 

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On tape dans de la série ancienne et pas forcément des plus faciles d’accès. Pour tout vous dire cette série est de David Lynch, personne qui n’aime pas beaucoup faire des histoires simples. Le départ de la série n’a a priori rien de spécial. La jeune Laura Palmer a été assassinée et est retrouvée un matin emballée dans du cellophane, meurtre qui choque l’ensemble de la communauté de Twin Peaks, petite ville du fin fond des États-Unis. Ce drame va bientôt faire surgir les secrets de cet endroit aux apparences si banales et paisibles.

 

Twin Peaks profite de personnages à l’ouest (l’agent Dale Cooper…), d’une intrigue captivante et d’une ambiance surnaturelle qui parfois provoque une réelle inquiétude. La série cultive le bizarre, l’inattendu, et offre des moments absolument surréalistes qui provoquent une angoisse réelle.
Brooklyn 99

 

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Une série américaine filmée façon docu-fiction (comme pour parks and recreation) jubilatoire. Brooklyn 99, c’est le quotidien d’une équipe de police du quartier susnommé, un groupe hétéroclite, désordonné, limite bordélique mais étrangement efficace. Souvent too much, elle compense grâce à des personnages très travaillés. De Jack Peralta, insupportable prodige immature qui détient le record du nombre d’arrestation, Rosa Diaz, terrifiante et taciturne, et mention spéciale pour Ray Holt, noir, gay, intraitable et très peu expressif. Brooklyn 99 est un remède majeur contre la déprime qui parvient à redéfinir

 

Real Humans

 

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Série de science-fiction scandinave passée sur arte, Real Humans possède cette particularité palpable des créations nordiques. Elle parvient avec une grande pertinence à reprendre les questionnements philosophiques d’Asimov sur l’âme des machines. Dans un futur proche ou un présent alternatif, il est possible d’acheter des hubots, robots à l’apparence d’humains qui se chargent des tâches ménagères. Si ces derniers se démocratisent de plus en plus, tout lourd changement social implique une opposition, les Real Humans, groupe extrémiste d’humains qui s’oppose à la prolifération de nos amis mécanisés (qui tendent à remplacer les humains dans les tâches industrielles, une question totalement dans l’actualité).
Il s’est également développé un groupe de hubots rebelles uniques qui semble doté d’une volonté propre et individuelle. L’un d’entre eux, Mimi, a été capturé et revendu à une famille moyenne suédoise. Nous suivons donc ces trois écosystèmes opposés qui s’entrecroisent et se déchirent autour des problématiques de l’existence, d’autant plus que le code de programmation capable de libérer les hubots est dans la nature, attisant les convoitises…

 

Downton Abbey

 

 

Série britannique historique, Downton Abbey est une valeur sûre. Nous suivons ici une famille d’aristocrates du début du XXème siècle qui doit faire face à de nombreux dilemmes. Le premier est le décès de l’héritier officiel, fiancé et cousin de la caractérielle Mary, la fille aînée des trois sœurs Crowley, lors du naufrage du Titanic. Malheureusement, l’homme qui héritera du titre et du domaine n’est pas un aristocrate mais, ô drame, un simple avocat. Choc des cultures, survie d’un mode de vie séculaire face à la modernité (comment conserver la même existence lorsque l’on appartient à une classe dont le luxe depuis des siècles est de ne rien produire dans les prémices du capitalisme, face au féminisme, au socialisme ?). Elle pose aussi la difficulté des relations familiales, le fossé générationnelle avec Maggie Smith en grand-mère comtesse douairière délicieusement infecte, la rivalité entre les trois soeurs, le poids des traditions…

 

Il y a aussi bien sûr la vie des domestiques du domaine, personnalités fortes avec leurs loyautés , leurs passés et leurs ambitions respectifs, les luttes intestines dans les cuisines et la difficulté de leurs conditions. Downton Abbey expose avec réalisme et juste ce qu’il faut de théâtralité une période charnière et forte en changements d’un point de vue pourtant peu exploité jusqu’ici.

 

Terror in resonance

 

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Sorti cette année, Terror in resonance brille par de très beaux graphismes et une histoire pour le moins originale. Un groupe terroriste baptisé Sphynx terrifie le Japon, mais aucun de leur passage à l’acte ne provoque de victimes. Ils procèdent par énigmes pour faire deviner les lieux de leur prochain attentat à la police. L’anime nous invite à découvrir les raisons de leurs attaques et leur passé mystérieux. Un anime de bonne qualité, qui parvient à tenir en haleine.
Camille Barbry